Dernière sélection, mais pas définitive…

PEN OF CHAOS ET LE NAHEULBAND: A POIL DANS LA FORÊT

Au début était le Mp3. De vastes blagues de potaches entre potes gratouillant des guitares, et soufflant dans des flûtiaux. Les potes devinrent une bande, tous autodidactes dans la musique, tous pleins d’énergie et bourrés de talent. Si en plus leurs copines chantent comme des princesses de Pub (l’endroit où l’on boit, pas la prise de tête TV qui essaie de nous convaincre de ne pas le faire), alors pourquoi se priver de faire un disque? Surtout quand toute une clique d’étudiants et d’internautes se partagent déjà les blagues entre eux comme les derniers sermons d’un prophète enfin marrant. Puis l’aventure continue jusqu’ « A POIL DANS LA FORÊT ». Après une intro ambiance taverne, Même pas mage nous fait comprendre le chemin parcouru. C’est un vrai album que voilà, Compo, textes, instruments divers et variés servant la musique. Rien n’est laissé au hasard. Nous voilà plongé avec bonheur dans un monde Donjons et Dragons. John Lang et ses acolytes deviennent subitement les ambassadeurs d’une culture Rôliste pour la plus grande joie des petits et des grands. Il savent de plus s’affranchir des canevas convenus des chansons actuelles pour retrouver la structure de nos comptines d’enfances comme dans Un boulet dans le groupe, ou  La bière du donjon qui lui emprunte aux ritournelles folk façon Tri Yann. Mais les chefs d’oeuvres de  drôleries et de mélodies sont sans conteste Les elfes de Green elven (clin d’oeil à un studio d’illustrateurs), La complainte de la serveuse, et Les souliers de lady Fae dont la richesse instrumentale est bluffante. Le groupe n’oublie pas de faire un détour hilarant par le heavy metal épique façonBlind Guardian (La bataille de Zoug-Amag-Zlong) , tous aussi amateurs de Tolkien qu’ils sont. Et oui, Tout ça, c’est le même univers les gars.  Si vous n’êtes pas convaincu pas l’étonnante étendue de leurs talents, ces vauriens nous offrent entre deux pubs toujours aussi fendardes, un petit orchestral irlandais à la flûte (Session à carnadoe). Enfin l’album ne serait pas complet sans les aventures du nain Gurdill en live s’il vous plaît. Voilà comment une blague devient un vrai culte et sans doute un des plus beau espoir musical de demain.

Par défaut: Machins de taverne par Pen of Chaos et leNaheulband

LA GRAND SOPHIE: ET SI C’ETAIT MOI…

Connaissez vous la Kitchen music ? Une musique faite maison, au parfum artisanal. Savant mélange entre classicisme et modernité. Classicisme parce que les racines évidentes remontent aux années 50-60 mélangées aux tendances acutelles englobant loops, samples et technologies. On peut donc trouver du méllotron ou ce genre de chose sur un disque très agréable, aérien même si parfois un parfum de mercurochrome vient nous rappeler les bobos à l’âme de la chanteuse. Auteure interprète, Sophie jette sur le monde un regard attendri, où le féminisme ne se tâche pas de misandrie. Première mélodie avec Ringo Starr chanson faisant allusion au célèbre batteur comme un clin d’oeil, comme un simple aveu  » Moi aussi je fais partie de la famille » On est tous des enfants de Beatles. Les deux gros singles de Sophie s’enchaînent alors Du courage et On savait, magnifiques, enlévés. Un rock adulte, tendre et souriant. Sur le second, notre girafe préferée parle d’enfance, de jeux, de rire et nous emmène au gré d’un final George Matrinesque. Le passage obligé entre sans transition dans l’âge adulte sur une rythmique éléctronique, L’héroïne se cherche et lance « Je ne suis plus une petite fille« . La première ride continue sur lesujet etpose la question: Qu’est-ce qu’on est à trente ans? On n’est plus jeune, On n’est pas vieux… Même pas, explore le malaise de la dépression. Toujours des personnages, mais toujours une narration au »je ». Sophie parle d’elle, de nous à tous. Un vrai disque « disque Hall de gare à ciel ouvert »  Parigotoffre une petite aparté avec ce personnage rigolard. Peut-être est lui qui est dans le vrai. Au début est une sublime chanson d’amour simple chantée avec le coeur  » Nous recommencerons au début, comme si c’était la fin, comme ces deux inconnus qui se tiennent la main. La mienne est là pour toi… » amer et pourtant optimiste aux saveurs sucrées-salées à l’image de l’album. Enfin une longue pièce new-waveuse à la fois dancefloor et chanson, Rien que  nous au monde clôt le spectacle et fait découvrir l’étendue du savoir-faire deSophie, Le disque îcone d’une génération de nouveaux auteurs. La femme au pouvoir en quelque sorte. 

par défaut: La Grande Sophie: La suite…

DIONYSOS: WESTERN SOUS LA NEIGE

 Dans l’ombre à l’époque de NOIR DESIR qui focalisait tous les espoirs dela scène rock frenchie, Dionysos gagnait à chaque albums, maturité, notoriété et amassait une fanbase relativement conséquente. Influencé par les Pixies (qui ont unrayonnement incroyable dans notre pays) ou les nouveaux rocks  anglais, la bande à Matthias Malzieu possède rapidement une patte très personnelle, autant dans le son très recherché de chaque chanson que dans les textes oniriques-littéraires du chanteur.  L’intro nous met dans une ambiance chaude, blues évoquant les grands espaces, puis Coiffeur d’oiseau lance la machine, dès lors les participations vocales de la fabuleuse violoniste Isabelle Maistre  se feront indipensables, comme les bulles du coca. Pétillante. Les guitares auront tout au long de l’album ce son étrange qui mélange l’acoustique au saturé contribuant à l’originalité du groupe. Longboard Blues offre une pop de bon alloi. Puis c’est l’artillerie lourde avec Don Diego 2000 et son intro magique au banjo. Rigolote et entêtante, c’est devenu un des must du groupe. l’allégeance aux Pixies se fait flagrante sur She is the Liquid Princess, et sur Surfin’ frog, bombes punks sur guitares grasses et bruitistes. D’autres merveilles mignonnes et glauques à la fois nous attendent avec Anorak et Petit Colorado (qui semblent raconter toutes deux l’histoire de personnages percutés par une voiture et un train, bigre!). La poésie de Matthias, la Malice d’Isabelle se marient, s’opposent et font vivre les titres. L’album contient encore deux classiques des concerts du groupe, à savoir Mac Enroe’s poetry, délire punk sur le tennisman et la pépite Song for a Jedi et sa célèbre assertion: « Quand j’étais petit, j’étais un Jedi. »donnant là une bonne idée de l’esprit loufoque du chanteur-parolier. Notons également Coffin song où là encore entre le joyeux et le morbide, le narrateur prend ses dispositions testamentaires. Et dans le même ton l’épilogue Rodéo nous plonge dans un décor de cimetière hanté par un cowboy pathétique et celui de son cheval. Album concept et pourtant varié, hétéroclite et protéïforme, un défi du genre. Le meilleur album de rock français en 2002? Non, le meilleur album de rock cette anée là, tout simplement. 

Par défaut: Monsters in love par Dionysos

SUPERBUS: WOW!

                                                                                                                                                     Pour qui a pu connaître Blondie ou No doubt, Superbus fait figure de révision.  En effet le combo emmené par Jennifer Ayache, la fétichiste de sa propre bouche n’ a certes rien inventé et peut  être rangé parmi le groupes actuels de »Rock dinette ». Mais ce serait sous éstimer grandement le pouvoir que possède la chanteuse de chier des tubes au kilomètre. Nous revoilà au temps béni des galettes courtes concentrées de 45 minutes où les identités des chansons étaient bien marquées, sans remplissage,ni boursouflure. 14 titres et autant de bombinettes ska/punk/pop aux mélodies sautillantes mais implacables. Alors voilà, Qu’est ce qui importe vraiment? Que l’interprête soit un Mozart du MP3? Ou que l’écoute nous ait procuré du pep’s et l’envie de siffler dans la rue? Parce que là, Superbus est top niveau. Rock à  billy démarre fort et annonce la couleur, on ne se mouche pas dans la stupidité et le fun est le maitre mot. Rythme, tempo, riff et arrangements simples mais intelligents emportent l’adhésion immédiate. Butterflyest un tube qui aurait été planétaire s’il avait été chanté par des anglo-saxons comme Garbage. La chanteuse cultive un registre acidulé conforme à son imagerie de petit génie /Bettie Page sortant d’une bouteille de coca des années 50 comme sur Ca mousse ou Over you où les minauderies troubles font mouche. Quelques titres pour faire plus « méchants » comme Tiens le fil, ou Un peu de douleur ajoutant un peu de profondeur mais pas trop. Et surtout Les bombes que sont Lola et Travel the world (avec son intro de batterie comme on n’en fait plus).  Alors du rock pour les gamins? Ouais, mais merde! J’ai denouveau 16 ans et le monde m’appartient…

à défaut: Gossip: Music for men

BLONDIE: PARALLEL LINES

Issue de la scène punk new- yorkaise, Deborah Harry dépasse rapidement ses concurrentes. Touche à tout, fausse midinette, elle est la matrice d’où découlent toutes les Madonna du monde, en passant par Kim Wilde pour aboutir à Gwen Stephani. Sur Parallel lines, elle et son groupe produisent l’album de pop ultime. Rageur et nerveux Hangin’ on the telephone  (reprise des Nerves)  démarre en trombe, refrain accrocheur, le charme opère instantanément. D’autres titres offriront des riffs teigneux à l’image de One way or another ou I know but I don’t know  remémorant leurs racines punk. Fade away and radiate instaure une atmosphère trouble, dans un faux calme au chant planant qui se décuple encore sur scène. Assurément un des plus beaux titres du disque. Picture This fait dans le faux rétro tendance fifties pour s’achever en power ballade mettant en lumière le superbe organe de Debbie. Au niveau arrangements, dans la famille post punk je voudrais la cousine de Nina Hagen et la petite soeur des Stranglers.  Entre orgue rageur, synthé crado et mélodies pop nostalgiques, l’album est une merveille de cohérence. Et soudain c’est le drame, une bombe disco-new wave fait irruption sur la platine: Le célèbre Heart of glass repris depuis par des centaines de groupes, de pubs et d’avantage encore. Indémodable, immortelle cette ritournelle ouvre les horizons d’un groupe décidement à l’aise dans tous les genres. Sunday girl (le thème est repris dans la pub Nina Ricci) également fait merveille avec son lot de sucreries auditives.  La reprise de Buddy Holly I’m gonna love you too est une juste rappel d’une formidable époque au charme désuet. Rien à jeter, album définitif, On n’a pas fait mieux. J’ai longtemps écouté les remakes, Voici matrice originale.

à défaut: Plastic Letters par Blondie

RAINBOW:RISING

L’album parfait des années soixante dix. Ni plus ni moins ! Rainbowest sans doute le groupe qui enfanta la New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM)cinq ans plus tard. La vocaliste Dio(RIP) fut la découverte de ces temps. Un album concentré, comprimé même aux six titres imparables. Ritchie Blackmore est ici le maître d’oeuvre et le tour de force est d’avoir résussi pleinement une seconde partie de carrière après Deep Purple. L’intro au synthé de Tarot woman brève attaque direct l’auditeur.  Starstruck, plus court et plus musclé annonce en filigranne la carrière solo du chanteur. Le coeur évidemment de l’album est dans les deux titres de huit minutes composant l’ancienne face B. A light in the black préfigure les tempos speedés en vogue dans les années 80 avec un riff qui semble avoir fortmement influencé Breaker d’Accept. Les descentes de manches vertigineuses de maître Blackmore sont saisissante de justesse tant la mélodie semble naturelle, gracieuse et non pas une simple démonstration de force. On est véritablement sur le cul, c’est magistral. Enfin le mastodonte, incroyable, pesant et en même temps halluciné Stargazer, dont les ponts, les breaks et la montée en puissance sur la formidable voix de Dio terminent en apothéose encore magnifiés par l’ajout d’un orchestre philarmonique dans les dernières mesures faisant du titre un accomplissement. Cette  pratique n’était pas monnaie courante et confime la vocation de défricheur qu’avait Rainbow et le rôle qu’aura le groupe sur la génération  suivante.  Encore aujourd’hui, mes frères et soeurs, posons le genou et prêtons allégeance devant l’une des tables de la loi du hard rock 

Par défaut: Long live Rock n’Roll par Rainbow

IN EXTREMO: RAUSPREE

Voilà du Folk Metal et ça force le respect. Je n’ai pas le bagage culturel nécessaire pour chroniquer ce disque correctement. Je peux commencer à vous dire que je n’avais jamais vu cela avant. In Extremo n’est pas le premier groupe de hard à jouer du coté Loups de mer/pirates (avec les costumes s’il vous plaît) . Il y avait Running wild. Mais ça restait du « Metal traditionnel  ». Là c’est exactement l’inverse: C’est un authentique groupe de musique traditionnelle à laquelle s’est gréffée une section rhytmique à la Rammstein, manifestement pour accrocher une génération plus jeune. Mais la sauce prend de manière incroyable. Emméné par la « dernière Licorne » (Michael Rhein: Die Leztze Einhorn) en guise de mesnestrel à la voix ressemblant à ces vagues qui se fracassent sur les falaises, Le groupe évolue en live comme s’ils faisaient un cours vivant sur les instruments d’autrefois. A chaque chanson, son objet hétéroclite parfois fabriqué par les musiciens eux même. A ce titre Docktor Pymonte et Flex der Biegsame (le flexible) sont bluffants. Un charisme de dingue. Harpe, cornemuse, drôle de xylophone, Vielle à roue, Bombarde de toutes tailles. Tout y passe, tout pour un bonheur auditif. Car voyez vous, le Folk n’es pas mort, il évolue, et il est bien vivant. J’ai du mal à selectionner toutes ces chansons mais  Vänner och Frände est un exemple typique avec ses accords orientalisants. Le dépaysement, le voyage , et la liberté semblent être  les thèmes principaux de nos corsaires multi-instrumentistes. L’autre bizarrerie, c’est que les textes sont outre en allemand, en latin  (Ave Maria, Omnia sol temperat )en français et même en gaëlique (Liam). Puis le voyage toujours , des terres lointaines  (Singapur, Palästinalied). Ballades, Danses, chansons de tavernes, prières, Marches celtiques, Tout est là pour raviver comme à l’aiguillon d’un vent iodé, le souvenir d’hommes du passé partis à la conquête de l’inconnu rammenant avec eux contes, légendes et coutumes exotiques. Aujourd’hui, la terre est ronde, on en a fait le tour.

Par défaut: Finisterra par Mägo de Oz

BENABAR: BENABAR

Que n’ai-je point lu sur le compte de notre ami Bruno, Pas de voix, Rimes pourries et alignement  de clichés sans précédent. Après avoir été le meilleur espoir de la chanson française, le voilà conspué, dévalué. Mais qu’en est il? D’abord Qu’en est il de la chanson française ? Vous vous rappelez sans doute les moustachus en pullover griffonnant des rimes sur des cahiers d’écoliers?  Benabar est bien de ceux-là, la révolte en moins bien sûr, l’époque n’est plus à cela. Tout-juste essuie-t-il une larme de circonstance sur le sort des clodos, pardon « population potentiellement cliente du 115″ dans Saturne. Non, Bénabar veut amuser en ces temps larmoyants. Il traine bien sûr et c’est générationnel, le « blues du trentenaire », le mal du « mal-adulte »,mais il sait retrouver ce sourire qui manquait tant à nos top 50 dépréssifs. Bon anniversaire est à ce titre une bonne illustration, Y’a une fille qui habite chez moi, empli certes d’images d’Epinal est jutement l’instantané qu’on a tous dans notre mémoire. Malgré les critiques sur les situations convenues, les images sont plutôt bien trouvées comme « t’es une porcelaine dans un magasin d’éléphants » dans Porcelaine narrant les péripéties d’une fille écorchée par l’amour. Les portraits sont vivants et pleins d’humour comme celui de l’enfant  qui s’enerve dans Le Vélo. L’ironie affectueuse de Bénabar le rend éminemment sympathique et attendrissant (Le coup du lapin). Plus grave et plus mordant, Majorette traite d’un sujet qui lui est peu courant: les inadaptés sociaux, faute d’un terme plus approprié. Enfin Dramelet  jette une ombre étrange comme un écho amer à « y’a une fille qui habite chez moi« . Le couple ici s’étiole doucement sans heurt etsans amour finalement….Le vocabulaire simple mais juste, Bénabar ne frappe pas mais caresse, amuse avec beaucoup d’esprit sans toiser l’auditeur. Comme si nous avions un bon pote qui chante dans les soirées.

à défaut: Reprise des négociations par bénabar.

MATMATAH: LA OUACHE!

Ce que personne nepouvait inventer sauf nous: Le « breton metal ». Un premier album détonnant. Un son déjà bien marqué et des compositions bien campées. L’intro orchestral (Anter-ouache/Ouache)ouvre la voie d’un album partagé entre un son dur hérité des Stooges ou des Pixies et des teintes celtiques. Cette approche avait été vaguement ésquissée auparavant par des groupes comme Sonorien Dü ou Soldat Louis sans faire vraiment découvrir les possibilités de celle-ci. C’est donc Emma qui s’impose donc comme première chanson de l’album et single incontournable. Lambé an-dro inaugure ce qui se sera le fil rouge du disque: la camaraderie, la fête et l’alcool. Car oui, c’est un concept-album sur la beuverie, la murge et la gueule de bois. Ainsi on ne déssaoulera pas de Kerfautras(dans un cimetierre) rock folk musclé, La fille du Chat noir (mésaventures et dragues dans un bar), Derrière ton dos ( relations amoureuses compliquées par la bouteille) aux Moutons(reprise d’un authentique morceau folk , revisité façon défonce). Le ton léger ne doit pas faire oublier la prestation carrée des musiciens qui savent insuffler un punch démentiel dans un paysage qu’on pouvait croire sinistré. Autre temps, autre moeurs, quand on s’arrête de boire dans ce disque, on fume des pétards dans L’apologie. Véritable ôde au cannabis dans un monde où l’on croyait être libre de pouvoir chanter ce qu’on veut( la justice du pays des droits de l’homme viendra châtier plus tard ces innocents), la chanson articule sur une phrase à la flûte, un riff de guitare ska et un break/refrain tout ce qu’il y a d’agressif. Arrangements nickels, mélodie imparrable, classique absolu comme peut l’être Hexagone de Renaud. Quelques ballades à messages offrent de petites méditations refléxives bienvenues  (Troglodyte, Dernière journée en mer) et le disque nous offre en sus un joli épilogue furieux (Ribette’s), quasi métal aux relents d’Iron Maiden première époque. En tout point parfait La ouache fut la carte de visite d’un nouveau rock français débarrassé de la poussière des Trust ou Téléphone. Il est vraiment dommage que le groupe finalement renonce à ces sonorités pour se banaliser aux sons anglo-saxons.

à défaut: Merzhin: Pleine lune.

BLACKEMORE’S NIGHT: GHOST OF A ROSE

 Ritchie Blackmore sur ses vieux jours tourne le dos à Deep Purple, au Hard et même au rock en général pour former avec sa fiancée Candice Night un groupe de musique médiévale/renaissance. Le guitariste ombrageux n’a jamais fait mystère de sa passion pour cette époque. Là, il ose franchir le cap et c’est loin d’être une passade, car il concacre son temps à cette nouvelle identité depuis 1997. Là encore il explose de talent. Ce disque est sublime. C’est donc l’esprit d’éternels troubadours que la troupe compose ces magnifiques airs enluminés par les instuments du passé.L’album débute pourtant par une belle réminiscense trompeuse de l’époque Rainbow avec  Way to Mandalay. Car loin des envolées de jadis, le guitariste se fait en retenue, à la recherche de la note juste et de la mélodie parfaite (Nür eine minute ou Mr Peagram’s morris and sword ). Candice Night quant à elle, pourrait remplacer la blonde d’Abba au pied levé sans problème. Son timbre cristallin fait merveille sur Cartoucheau refrain chuchoté.Brrr! J’en ai des frissons. Elle livre également une superbe reprise de Joan Baez : Diamonds and Rust. Le dyptique Queen for a day représente bien l’apect bicéphale de la formation. La première partie surtout vocale et la seconde instrumentale, rapide laissant libre court au virtuose de la 6 cordes. Ivory tower se fait atmosphérique tandis que Loreley est un petit bijou dansant. Pour conclure la galette, All for one effleure d’électricité une chanson à reprendre en choeur et Dandelion Wine achève l’opus  comme un générique romantique, calme et apaisant. Tout ici n’est qu’harmonie et une bien belle manière d’aborder la musique et même la vie peut être.

Par défaut: Fires at Midnight par Blackmore ‘s Night

Voilà le dossier achevé, je l’avais dans le ventre depuis pas mal de temps. je suis soulagé d’être parvenu à son terme. A bientôt!

Mise à jour

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EDDY’S MENTAL MUD 9

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LES BD TROP BIENS,QU’ON LIT JAMAIS

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LA MYTHOLOGIE DU XXIeme SIECLE ?!

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Mise à jour 18 Août

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A bientôt pour la suite…

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EDDY’S MENTAL MUD 9

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LES BD TROP BIENS,QU’ON LIT JAMAIS

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LA MYTHOLOGIE DU XXIeme SIECLE ?!

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Mise à jour 18 Août

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Ma bonne résolution, s’il ne devait y en avoir qu’une, ce serait de me remettre à la planche à dessin. Et pour le prouver, en voilà déjà une. La couv’ du premier tome de cadra le jour où je me déciderais de la publier à compte d’auteur. Tout seul comme un grand!

Ouais! Je suis assez fiérot là. Ca me passera mais là je suis content….

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EDDY’S MENTAL MUD 9

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LES BD TROP BIENS,QU’ON LIT JAMAIS

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LA MYTHOLOGIE DU XXIeme SIECLE ?!

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joyeux noel 2011

Cher lecteur, j’espère que cette période de fête t’a été propice. Puisse l’année qui s’annonce être encore meilleure.

2012 sera l’année de Masog ou ne sera pas.

PS: pour rester dans l’ambiance, un petit lien vers une vidéo avec un crapaud,

Ce crapaud joue avec un smartphone par Gentside

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EDDY’S MENTAL MUD 9

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LES BD TROP BIENS,QU’ON LIT JAMAIS

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LA MYTHOLOGIE DU XXIeme SIECLE ?!

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RAMMSTEIN: MUTTER

Une épiphanie, un groupe jouant sur les apparences faussement sulfureuse, vient nous donner une vision chaotique de ce qu’est L’Allemagne dans un déballage « touristique » hors du commun. Mélant rythme martiaux, romantisme morbide, sens mélodique, expressionnisme et un renouvellement du kitsch. Ils popularisent la « TANZ METAL » , dont le nom aussi subtil qu’il soit nous donne une idée assez précise du contenu. Les influences du groupe auraient été impensables  dix ans auparavant: Depeche Mode,Kraftwerk, David Bowie et les Ramones. Secouez bien et prenez en une lampée.  Mutter est l’album de la maturité comme diraient certains journalistes, là où le son s’accomplit pleinement, le style s’est personnalisé sans encore se caricaturer. Mein Herz Brennt commence donc en douceur avant d’asséner un refrain scandé façon bourrin. Links 2.3.4 fait le pied de nez à tous ceux qui leur reprochent un coté « militaire » en martelant une marche, rien que ça! Puis c’est le fabuleux Sonne où l’atmosphère pesante et caverneuse est contrebalancée  par le choeur aérien et le clavier très mélodieux. Feuer Frei donne une nouvelle fois la part belle à la thématique enflammée propice aux divers effets scéniques du groupe.Ich Will se fait ironique et menaçant,Rammstein brocarde les médias, leur fascination pour la violence et cette manie qu’ils ont de se décharger sur les artistes. Le titre éponyme est glaçant dans sa beauté tandis que Spieluhr ou Zwitterdonne une incroyable variété de tons à un album d’apparence monolithique. Enfin le magnifique orchestral Nebel met la touche nécessaire à un grand disque pour qu’il se termine. A l’heure où les albums ne sont que des suites de mp3 sur CD, Rammsteinconçoit encore des rondelles compacts (45 minutes) avec une intro, un développement et une belle fin. Magnifique, les mauvaises langues se taisent et le groupe accède définitivement à la gloire.

à défaut Sehnsucht par Rammstein.

PARADISE LOST: ONE SECOND

En 1997 le paysage du Métal change, et accomplit une étrange mue. Exit les vieilles influences Led zeppelin et hard produisant les guitarheroes au kilomètre. Les atmosphères se font plus travaillées, plus sombres. La New Wave, le Gothic et des groupes comme Killing Joke deviennent clairement des influences notables. Paradise lost se débarrasse des ses oripeaux Doom pour nous offrir sans cirer gare ce pur joyaux de « gothic metal ». Nick Holmes fatigué de jouer les « conteur de la crypte » adopte un registre à cheval entre ceux de Dave Gahan et James Hetfield. One second et son intro au piano annonce la couleur. Mais ce n’est pas parce que l’on fait dans l’atmosphèrique, qu’on oublie d’avoir la pèche. Ainsi en témoignent Say Just Words, Soul Courageous et Blood of another véritables singles en puissance. Lydia et surtout Another day  font preuve d’un talent mélodique aux arrangements impeccables et subtils loin d’un quelconque style pompier,  sur des tempos lents et introspectifs. Mercy annonce sans doute l’aspect synth-pop qui explosera plus tard. Sombre sans être neurasthénique on plonge dans les trouble Take me down avant la chute. Délivrant un sentiment de mélancolie, ce disque a fait date dans l’histoire du heavy metal, une croisée des chemins, une question posée sur l’évolution du genre et une réflexion sur son avenir. Les anglais ont décidé de briser les barrières restrictives des années 80, pour le plus grand bonheur de la musique.

à défaut Host par Paradise lost

NIGHTWISH: ONCE

La scène métal a grand besoin de se renouveler. A l’aube du XXI ème siècle le sang neuf se fait par l’arrivée d’une vague massive de nouvelles chanteuses. Elles ont toutes en commun d’être ravissantes et de posséder un organe d’une puissance hallucinante. Oui bon, ça c’est pour la plupart des chanteuses. Mais Il y a Tarja, la seule, l’unique, la vraie. Celle qui emporte la musique de son groupe  dans les cieux barbare de l’opéra. Dès lors Nightwish domine la scène de la tête et des épaules. Car si la sublime musique aux multiples influences (lyrique, cinéma, folk et même amérindienne) de Tuomas Holopainen est brillante, elle se complète et repose sur les prestations de Tarja vraie maîtresse de la scène. D’entrée Dark chest ofwonders rappelle qui sont les vrais boss de l’opéra-metal en donnant une brève réminiscence de Wishmaster mais en plus solide, plus accompli. Puis les singles Wish i had an angel et Nemo tout en étant superbes font allégeance aux racines rock du groupe. Creek Mary’s blood est quant à elle une longue pièce rendant hommage aux indiens Amérique. A la fois calme, enivrant et symphonique, elle ouvre une nouvelle porte sur une nouvelle dimension du groupe qui n’a déjà plus de limites. Qu’elle est loin la New wave of british heavy metal. Nous sommes désormais dans une forme de musique progressive recherchée et extrêmement produite. Allant toujours plus loin dans l’aspect symphonique et lyrique des choses, Ghost love score est une sorte de court métrage auditif tant il emprunte comme son nom l’indique aux musiques de films. C’est le point de non retour. Conscients qu’un titre de plus pourrait conduire à l’overdose, le groupe enchaîne sur une jolie ballade sobre en finnois Kuolema Tekee Taiteilijan et un morceau calme et ampoulé (Higher than hope) pour achever ce qui passerait pour l’oeuvre d’une vie. Dantesque et parfois grandiloquent, Nightwish livre néanmoins un album historique dont chaque titre est un album à lui tout seul.

à défaut Wishmaster par Nightwish

TRISOMIE 21: THE FIRST SONGS (VOL 1 &2)

La Cold Wave, la branche sombre de la New wave. Ca nous réserve de belles heures de joie en perspective. La collection TheFirst songs est le rassemblement de deux mini-LP (aujourd’hui on appelle ça EP), intitulés Le repos des enfants heureux et Passions divisées. L’objet Cdest donc bourré à ras-bord de classiques du genre. Planante, spleen, sur fond de synthétiseurs, la musique de T21 se fait tour à tout mélodique (Djakarta) ou bruitiste (Movingby you), plus contemplative abstraite que réellement triste. Les ingénieux frèresLomprez ont dans leurs bagages de solides influences allant de The cure (papas de la Cold Wave) à Clan of Xymox. Ensembles ces formations diverses formeront ce qu’on appelle la « génération corbeau » .  Les  premiers efforts du duo sont déjà de haute volée. See the devil in me nous plonge immédiatement dans l’atmosphère trouble et conceptuelle d’une époque on l’on prisait ce genre de risque sur vinyle. Djakarta nous apaise légèrement avant que Movingby you vienne nous agresser les oreilles par ses dissonances à la fois osées et très maitrisées. Mais le titre sont il faut surtout parler est La fête triste. Cet orchestral a la particularité de porter son nom à merveille, tant l’impression de chagrin est intense. Si vous fermez les Yeux un instant vous pourrez vous sentir seul dans une  fête foraine déserte la nuit, dont les manèges tournent pour personne. Désormais un classique du groupe. Dans le même registre, Mais il se noie dont les paroles très inspirées Ian Curtis accroche un frisson à notre échine. Anybody home (part 1) est donc plus ouvragée, plus cérébrale et plus dance dans la lignée de que feront New Order. Pour finir Breaking down est presque un apparté pop qui irait très bien dur le Seventeen seconds des Cure. Trsiomie 21 fût donc en son temps l’un des maitres de cette mouvance synthétique dont l’unique coté organique était formé par ces lignes de basse imposantes, veritables colonnes vértébrale d’une musique désarticulée.

à défaut Clan of Xymox par Clan of Xymox

JOY DIVISION: CLOSER

Sur les cendres encore fumantes du punk, pousse une fleur encore plus vénéneuse: La New Wave, mouvement alliant les nouvelles trouvailles synthétiques avec le rock le plus dur et le plus desépéré. Un rock urbain, ouvrier naît alors au nord de cette aride Angleterre et Manchester voit alors éclore Joy Division et son orateur trouble: Ian Curtis. Ce mec vrai descendant des poètes maudits à la Poe ou Rimbaud présente une une veritable inapétance au bonheur, une quasi allergie à la joie. Partout il traîne avec lui une sorte de cafard qui nourrit son aura et son talent. Il ne sait pas encore quelle rançon cet animal lui demandera t-il. Musicalement les trois autres musiciens illustrent la bande sonore du mal-être du chanteur. Tour à tour fievreuses et malsaines, ou rageuses les guitares saignent aux oreilles (24 hours). La section rhytmique oscille entre transe hypnotique (Isolation, Heart and soul), et saccades maladives (Atrocity/Exhibition). Sans oublier toutefois les ballades incantatoires débordant de mélancolie (Decades, The Eternal). Pour les anglophones, c’est encore pire. Curtis pourrait faire passer Leo Férré pour un clown du cirque Pinder. Le jeune homme à l’agonie annonce son geste pendant les quarante minutes de l’album. Il avoue son incompétence en matière de relation humaines, la douleur que lui inflige l’attention des autres pour finalement asséner « I’m ashamed of the person I am-j’ai honte de qui je suis » (Isolation), Dans Colony, il reparle de son isolement, la colonie est pour lui un exil. L’humanité lui paraît monstrueuse dans son indécence  et son voyeurisme (Atrocity/Exhibition). Passoverexprime le doute et la peur de l’avenir à présent que l’équilibre est rompu (This is a crisis I knew had to come, destroying the balance I’ve kept).  Le malaise se fait générationnel dans Decades « Here are the young men, a weight on their shoulder »- voilà les jeunes hommes, un fardeau sur les épaules). Le fond étant atteint dans 24 Hours: Now this is permanence, Love is shattered pride (C’est définitif, l’amour n’est que  de la fierté brisée), What once was innocent, turned up on it’s side ( Ce qui n’était qu’innocence, s’est écroulé) Et ça c’est le début, la fin étant sans appel: Gotta find my destiny, before it gets too late (Je dois trouver ma voie, avant qu’il ne soit trop tard). Seul A means to an end offre un peu d’optimisme dans une ôde à l’amitié, seul rempart apparamment face au désespoir (I put my trust in you- J’ai confiance en toi!).  Brulant, éprouvant et pourtant si addictif… Un album  immersif dont Curtis ne verra jamais le jour. Quel Gâchis pour un artiste  devenu « Eternal »

à défaut Unknown pleasures par Joy Division

JUDAS PRIEST: SAD WINGS OF DESTINY

Judas Priest est une groupe unanimement salué pour les tubes au kilomètres qu’ils ont allongés depuis les années 1980. C’est oublier la première parie de carrière du groupe durant les seventies (le même problème se pose souvent pour Scorpions). Oublier également la richesse mélodique et instrumental dont faisait preuve le combo de Birmingham durant cette décennie. Pourtant c’est un de leur plus grand classique qui ouvre l’album: Victim of Changes, longue descente de guitare puis phrase hurlée jusqu’à en péter les vitres sur un riff trappu et carré. L’intro on le réalisera plus tard traumatisera plusieurs générations de fans qui la répéteront  devant leurs mirroirs et pour les plus doués d’entre eux même sur vinyle.  Puis le morceau s’articule autour de plusieurs mini mouvements avant le break vocal où Halford atteint une nouvelle fois des aigus incroyables. Et pour finir un double solo-duel-de guitare. Victim… est donc LA pierre angulaire de tout ce qui deviendra le Heavy, power, true Metal des decennies suivantes. A cette époque, on ne récite pas les codes, on les fonde. Aux antipodes du titre précédent, The Ripper est une tuerie très dense de 2.50 minutes. Là encore les performances vocales de Rob s’allient à la double attaque de guitare de la paire KK Downing/Glenn Tipton. Suit une étrange ballade au piano terminant dans l’éléctrique qui constitue un dyptique Dreamer deceiver/ Deceiver. Deux autres classiques du groupe (Tyrant et Genocide) forment le noyau dur de la seconde face d’un opus qui  collectionne les classiques décidement. Pour finir le planant et définitif Island of  Domination clôt élégamment ce disque qui, avec Paranoïd, et Led zeppelin II forme la trilogie infernal du Rock de Birmingham.

à défaut: Sin after Sin par Judas Priest

THE GATHERING: MANDYLION

Dans le pays des étiquettes, chaque mouvement musical, chaque groupe, chaque disque a la sienne. Voici donc le Metal atmosphérique défini par le seul titre qui ouvre l’album: Strange machines. Sur un riff de guitare plombée, la voix d’Anneke Van Giesrbergen s’envole dans l’espace. Le voyage débute et la destination est dores et déjà à des années-lumières. Rien que cette chanson porte l’ensemble au rang des chef d’oeuvre. Magnifique! L’intensité augmente encore lors d’Eleanor mélange habile entre cold wave et gothic métal et toujours de chant si aérien qu’il fait croire aux anges. In the motion#1, orchestral transgenre bousculant les frontières musicales d’alors fait encore merveille avec son espèce de phrase au xylophone  et l’album ne cesse de surprendre. Leaves reprend les choses là où Eleanor les avait laissé, Fear of the Sea semble puiser des influences jusqu’à Pink Floyd et Mandylion a des pointes de Deep Forest. Les repères sont chamboulés dans ce Metal parfaitement exécuté, aux arrangements subtils que rendent nécessaires plusieurs écoutes. Et toujours cette voix qui emporte tout, forte en émotion et en puissance. Quand je vois la confidentialité  d‘Anneke, J’ai envie de vomir en regardant Virgin 17. Disque indispensable, pour tous ceux qui sont convaicus que les Metal est un milieu de cheveulus crados qui ne savent que faire du bruit dans les caves. The Gathering résonne dans la voie lactée.

à défaut Future Narcotic par On thorns I Lay 

BLACK SABBATH: PARANOÏD

A l’aube des années 70, le Hard rock est à peine né que le Heavy Metal pointe déjà le bout de son nez. Beaucoup vous diront que c’est Led zeppelin qui inventa le genre, mais écoutez ces rhytmiques, écoutez War Pigs, sentez la pesanteur des riffs et cette basse trappue. Voilà l’acte de naissance du Heavy. Tommy Iommi, Geezer Butler, Bill Ward et ce prêtre fou d’Ozzy Osbourne s’inspirent de films d’horreur, des Who et inventent le reste. Déjà le premier album faisait preuve d’une identité marqué, mais c’est par la maîtrise de celui ci qui les emmena au sommet. De par la pelleté de classique que l’album contient déjà. Jugez plutôt: War Pigs et ses huit minutes de furie, de cris et de martellement que vient achever un solo assassin. Paranoïd, single ultime et s’il n’en reste qu’un seul à retenir, ce sera celui là. Iron Man chanson typique des rappels du groupe, énorme, massif, riff inoubliable et immortalisé par le film éponyme, les morceaux plus denses et moins complexes que Deep Purple sont sonvent plus intenses comme le prouve l’energique Electric funeral pour terminer par Fairies wear boots, piece alambiquée, mélange de plusieurs ébauches de chansons qui change de tempo, d’air avec plusieurs soli, faisant école dpuis. Au milieu de ce maëlstrom de titres forts en gueule surnagent un petit orchestral (Rat Salad) et une petite ballade jazzy (Planet caravan) venant donner un peu d’air frais à ce souffre. Ozzy n’a pas une voix, il EST une voix, tour à tour souffrante, menacante et rigolarde, il est clairement le drapeau d’un groupe pourtant très complet. Souvent regardé de haut par le grand public, Black Sabbath sont pourtant avec cet album, les pères d’une toute nouvelle musique qui défiant les modes, perdure encore jusqu’à aujourd’hui. Belle performance.

à défaut Balck Sabbath par Black Sabbath 

DEPECHE MODE: SONGS OF FAITH AND DEVOTION.

Si on m’avait dit que Depeche Mode aurait un jour des accointances avec le hard rock, je serais parti d’un grand éclat de rire dédéigneux. Souvenez-vous des minets de Just can get enough! Les brosses sur des cheveux peroxydés,le look « boite de nuit ». Dès les premiers accords d’Ifeel you, on comprend que l’on assiste à une mutation spectaculaire, une mue incroyable. Le riff de guitare le plus crade de 1993. Une voix incantatoire. Une prestation habitée. Gahan méconnaissable, maigre à la dégaine de Christ dépendu entonne ses textes comme à l’agonie. Il se raccoche aux mélodies de Gore, toujours aussi inspiré et incarne les textes de Walking in my shoes en avouant « you’ll stumble in my footsteps« (vous trébucheriez dans mes pas), donnant une merveille de sonorité car Wilder est toujours au aguets de la production, raccordant le piano aux amplis de la guitare. Gore avoue également son penchant mystique non feint et sa fascination pour le gospel dans le gracieux Condemnation et Judas. Retour à la case techno pop à la sauce rock pour In Your Room et Rush ou une variation sur la dépression mais avec la pêche. La battrie de Wilder y remplace avantageusement les boites à rhytme, même sur le dancefloor. Gore quant à lui aime se réserver de jolies ballades et One caress ne fait pas exception. Et pour terminer en beauté Higher love dont le sens mélodique transporte au gré des guitares et des claviers l’auditeur plus haut..higher and higher. L’album est donc la synthèse parfait entre techno-pop et gros rock d’un groupe au sommet de son génie et de son inspiration. Le disque laissera des traces.

à défaut Music for the masses par Depeche Mode.

GARBAGE:VERSION 2.0

A partir du milieu des années 1990, il faut songer à succéder au Grundge. Sachant hériter d’un son remettant à l’honneur la saturation et l’éléctricité, Le trio de producteurs Butch Vig, Duke Erickson et Steve Marker décident en véritables disciples de magiciens du son comme Brian Wilson (le tyran des Beach boys), de se mettre à fabriquer une musique « Pop parfaite » en utilisant tous les outils de studio à disposition. Ils sont également vaguement au courant en regardant dans le miroir qu’ils ne sont pas très glamours et engagent la  jolie et talentueuse Shirley Manson. Dès lors le Succès est au rendez-vous et celui-ci explose vraiment sur ce disque au son et aux compos impeccable d’efficacité. Temptation waits commence en douceur par un tempo chaloupé augurant du meilleur pour la suite. En effet la foudre frappe sur I think I’m paranoïd, tégnieux à souhait. En bon album de pop acidulée,qui caresse l’auditeur dans le sens du poil,  on alterne morceaux calmes où les ambiances mélancoliques se marient à merveille à la voix caressante de Manson (The trick is to keep breathing, Sleep together, You look so fine) et les titres plus punchy aux refrains insicifs (Push it, Hammering in my head, Dumb). La belle Shirleyenflamme dans les deux cas, épaulée par le trio d’artisans, pour donner une âme à chaque chanson de la rondelle. Les thèmes des chansons abordent sans trop de complexité les affres adolescentes, faisant de Shriley une sorte d’icône Manga avant l’heure. C’est beau, c’est clair, et incroyablement rentre dedans pour un objet fait de bandes, de loops, de samples triturés en studio.  Un tour de force qui a des relants de New wave, et de guitares hurlantes.  Revigorant!

à défaut Garbage par Garbage

Mise à jour

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EDDY’S MENTAL MUD 9

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LES BD TROP BIENS,QU’ON LIT JAMAIS

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LA MYTHOLOGIE DU XXIeme SIECLE ?!

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Mise à jour 18 Août

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U2: UNDER A BLOOD RED SKY

Si les années 80 n’ont donné qu’un seul groupe de pop/rock, c’est celui là. En pleine mouvance éléctronique, la bande à Bono(facile) fait figure de resistante avec la grosse guitare de The Edge et la section rhytmique de bûcherons menée par le bassiste Adam Clayton (Ecoutez New year’s day) et le batteur Larry Mullen Jr (écoutez Sunday…).Car si le groupe fait la différence, c’est par ses musiciens qui assurent comme des bêtes.  Rapidement, sous la houlette de Steve Liliwhite, ils allongent les tubes et les standards qui jalonneront  ces années jusqu’à la consécration Achtung baby.  Ce  petit live du début de leur carrière est la meilleure illustration de l’énergie brute que peut dégager U2 en concert. La version qui restera à jamais de Sunday, bloody sunday, sans fioritures et avec son intro et ce break jouissif. Gloria, Party girl véritables pépites et la bourrin I will follow et pour finir le mythique New year’s day indémodable. Même pas quarante minutes, mais on sent la sueur, les tripes qui ont parfois disparu depuis sous les nappages de Brian Eno. Oui voilà le groupe à poil, sans artifices et diablement grandiôse avant les grand messes granguignolesques des années 90. Une date pour le rock, une date pour le live.

à défaut: The Joshua tree par U2

DAVID BOWIE: THE RISE AND FALL OF ZIGGY STARDUST AND THE SPIDERS FROM MARS.

Que le glam rock soit! Et le glam rock fût! Ainsi parla le prophète David aux jeunes qui s’étaient ainsi amassés au Madison square garden! Et le public lui répondît: Chante nous encore la bonne parôle, et conte nous les aventures de Ziggy, l’alien. Et la jeunesse devînt humanité, toute acquise à la voix de David et la guitare de Mick. Ainsi soit il! L’album commence en douceur par un Five minutes qui part crescendo jusquà ce que le voisin vous demande de baisser le son, Rapidement Moonage daydream envoie la première cartouche d’un salve d’un rock stellaire, évaporé en même temps que mordant. La dernière minute de la chanson touche au sublime dans le délire. Vient ensuite le tube Starman (He’s a starman and he’s waiting in the sky, He’d like to come and meet us, but he thinks he’d blow our minds) installant rapidement son personnage-fil rouge- de funambule extra-terrestre partant à la rencontre d’une humanité à la recherche d’un nouvel élan. Plusieurs actes de conte se déroulent encore, comme la chanson Ziggy Stardust autre classique indémodable. Puis c’est l’apothéose Suffragette city envoie un boogieendiablé qui colle la fièvre. enfin retour au calme, un peu comme un bonus backstage sur une chanson dont le ton fait écho à la première: Rock ‘n roll suicide qui bien que funèbre porte en soi les germes de l’espoir: « You are not alone«  nous crie ainsi Bowie. Pour finir , difficile de faire l’impasse sur l’aspect visuel et mis en scène de Bowie qui empruntant au théâtre, au mime fait entrer le rock dans l’ère du spectacle. Sans lui Pas de Rammstein, pas de Lady Gaga, pas de New Wave. Rien en somme…

à défaut: Aladdin sane par David Bowie

AC/DC: BACK IN BLACK

En 1980, on ne donnait pas large de l’avenir d’AC/DC, ces derniers venant de perdre Bon Scott, leur chanteur à la fois sensuel et showman accompli. Lorsqu’ils le remplace par la sorte de pillier de Bar qu’est Brian Johnson, on pensa qu’ils étaient devenu fous. Au contraire, ils ont préférré entamer une nouvelle page de leur histoire plutôt que d »évoluer dans l’idolâtrie. Car si le disque est résolument placé sous le signe du deuil (Back in black, Have a drink on me), le hard blues fait doucement place à un heavy rock seyant d’avantage au « hurleur » qu’est Johnson, tout cela sans heurt. Dès les premiers coups de cloche au ton sépulcrale, Hells bells s’impose comme un énorme tube. Back in black et Shoot to thrill font encore les beaux jours 30 ans après, des films Iron Man. Le reste est d’excellente facture, comme en témoignent Given the dog a bone, You shook me all night long ou le rigolard Rock n’ roll ain’t noise pollution. L’inquiétant virage d’un changement de chanteur après son décès a donc été miraculeusement négocié avec cet album imposant et a pu installer le gueulard définitivement. Si le groupe a deux périodes, celle ci possède dores ‘et déjà ses lettres d’or.

à défaut: For those about to rock par AC/DC

THE POLICE: OUTLANDOS D’AMOUR

Je suis pas, autant vous l’avouer, un spécialiste de The Police. Le groupe connût pourtant un regain d’interêt et de couverture médiatique durant les nineties grâce à la redécouverte de certains classiques, Roxanne en tête.  Le premier groupe de Sting est issu de la scène punk (si,si) et il incarna particulièrement ce bref mouvement qui tenta la collision entre le rock et le reggae, les deux mouvements protestataires de l’époque. De même que Le Clash et Jah wobble, Police a produit le meilleur du genre avec cet album. Le premier aspect surprenant, c’est qu’il s’agit d’un petit « best of » à lui tout seul comprenant Next to you(speedé) So lonely, Roxane, et Can’t stand losing you. Si la sauce prend, c’est bien gâce à Sting dont le jeu de basse énergique et la voix  haut perchée incarne idéalment le contraste voulu. Steward Copeland est un batteur survolté au bord de l’épilepsie parfois comme sur Peanuts ou Next to you et la guitare d’Andy Summers bien que discrète finalement sait se faire rétro ou agressive selon les cas? Le tout est enrobé dans une production au son carré mettant simplement le trio à l’honneur. Coup d’essai , coup de maitre, la suite fera de The Police un énorme groupe du  début des années 80, sans doute en parti grâce à cette excellente carte de visite. L’album à posséder pour qui veut savoir ce qu’est du « reggae de blancs »

à défaut Regatta de blanc par The Police

DEEP PURPLE: MADE IN JAPAN

Largement célebres pour avoir écrit le riff de Smoke on the water (Tin,tin-tin), Deep Purple nous envoie au tapis directement avec cet album live entré dans la légende. Souvent considéré comme l’un des meilleurs disques en concert de tous les temps, il convient aujourd’hui de pouvoir le juger à froid au delà de l’idôlatrie habituellement de mise. Il a un gros défaut pour moi: chaque chanson est séparée par des « blancs » cassant l’ambiance entre deux morceaux d’anthologie. Car voilà le track-listing est de niveau olympique.Ca démarre fort avec la cavalcade Highway sta r et ses étonnants duels instrumentaux entre guitares, orgues, chant, un délire. Sans plus attendre Child in time ou le choc d’une vie. Comment imaginer un seul instant en ces temps très balisés, qu’on puisse durant près d’un quart d’heure changer de tempo, passer du planant à l’agressif, au jazz, à la musique classique tout ça déchiré par des hurlements d’agonie. Un Everest et surtout le point de réference d’un nombre incalculable d’apprenti musicos. Smoke on the water vient soutenir, l’auditeur épuisé puis c’estThe mule et son solo de batterie approchant les dix minutes. Strange kind of woman continue l’hystérie avec un double solo voix/ guitare proprement incroyable. Blackmore pousse pousse Ian Gillan dans une sorte de concours pour celui qui pétera un verre en cristal en premier. S’en suit Lazy et Space truckin’ qui lui dure une vingtaine de minutes et c’est à peu près tout ce qu’il y a à en dire.  La mode était aux impros à rallonge et au psychédélisme. C’est dur à écouter sur CD aujou’dhui, mais comme on ne trouve plus ce genre de folie dans la musique, il est toujours de bon goût de s’y replonger et d’écouter ses cheveux pousser..

à défaut: Made in europe par Deep Purple

THE  VELVET UNDERGROUND AND NICO

Le Velvet Underground, dans la rue ça ne dit pas grand chose à personne. En revanche dès qu’on ouvre une revue musicale comme les Inrrocks… ou Rock n’Folk, le velvet surgit sans arrêt au détours d’articles, d’interviews etc… Cité en référence par David Bowie, U2, Joy Division ou Simple minds, Lou Reed revient partout dans les conversations. La scène new yorlaise en ces années très Power Flower, se fait  bouillonnante et Lou reed, John Cale et compagnie captent à merveille cette ambiance. Sous la houlette du déjà culte mais pas encore canonisé Andy Warhol qui leur accole Nico en tant que chanteuse, on comprend très vite que l’album sera « stupéfiant ».  Le résultat est éblouissant, novateur et à mille lieues des canons de l’époque. Quelques vestiges sixties surnagent évidemment dans les Sunday morning (où les voix de Nico et Lou se confondent harmonieusement), Run, run, run et le mignon There she goes. Mais le coeur de l’album de fait fiévreux et vénéneux à l’image d’un Venus In furs lancinant, sirupeux et vicelard. L’alto électrique de Cale crisse sur le chant de Reed, intronisé d’un seul coup poète maudit. Inoubliable! Puis on plonge dans l’atmosphère aussi envoutante que dérangeante des nuits poisseuses new yorkaises. Waiting for the man et Heroïn (dont le rythme s’envole au gré du trip du chanteur) sont les sommets du méfait. On a la tête qui tourne dès les premiers accords. Captivant! Mais c’est oublier les jolies poèmes en musique que le groupe nous offrent sur un plateau sulfureux. I’ll be your mirror est une petite merveille déclamée par la voix à la fois suave et atone de Nico. Cette dernière donne aussi de la voix sur le classique des classique All tommorrow’s parties, massif, lumineux et vrombissant. La galette ici présente est donc un pur chef d’oeuvre dont l’intensité a rarement été égalée à ce jour. Un diamant perdu sur dépotoir.

à défautThe Velvet underground par The Velvet underground

METALLICA: METALLICA

Début des années 90, les radios sont noyés par la variété, le rap (qui explose) et la dance (qui explose).  Dur, dur d’être un  hard rocker au lycée. Puis, c’est l’éclaircie, un petit point lumineux apparaît à l’horizon: Le phare Metallica et cette ballade western en diable: The unforgiven. Dès lors, l’espoir renaît, les t-shirts s’ornent à nouveau d’un serpent à l’mage de ce disque, le majestueux « black album » .  Des copines se passent le CD et entre deux I Am ou Mariah Carey(oui elle est vieille en fait), écoutent Enter Sandman. Aucun groupe de Hard n’avait encore réussi celà, pas même Scorpions. Je sais , les sales petits communautaristes que sont les métalleux ont gémi sur le pacte avec le satan commercial passé par le groupe mais la vérité est tout autre. Ce disque est excellent! Cette fausse berceuse qui ouvre l’album contient l’un des riff les plus efficaces du heavy, Enter sandman devient un classique instantané. Sad but true est massif avec sa batterie de bourrin.   Puis nous voilà en pleine aventure desertique avec Whenever I may roam sautillant et pesant à la fois. Considéré parfois comme le début d’une décadence pour le groupe, (alors qu’il marque le début de leur célébrité), il est souvent reproché la présence de ballade comme Nothing else matters (au demeurant superbe) sur la galette. Et c’est là qu’on mesure la mauvaise foi des fans. Fade to black sur Ride the Lightning n’est pas une ballade peut-être? Et des chansons comme My friend of mysery, Of wolf and Man et The god that failed, c’est de la soupe à minets sans doute? Non ce disque a cassé la barraque parce qu’il troue le cul, voilà! Retour sur la fin du disque à ce son de frappe unique et puissant sur The Struggle  within qui conclut en beauté, laissant les quelques grincheux aux vestiaires tandis que le Hard rock  gagnait l’une de ses pieces maitresses.

à defaut Ride the Lightning par Metallica

JOHN LENNON: IMAGINE

Être un ex-Beatle, c’est comme être le survivant d’un cataclysme, il faut tout reconstruire, tout remettre à plat et se refaire une identité. Si Ringo s’est perdu dansles limbes, George s’est lancé dans une carrière d’abord fructueuse (All things must pass), avant de disparaître à son tour. Paul fait du Paul plus ou moins inspiré (c’est à dire du Beatles auquel il manque quelque chose). Seul John Lennon   a su envoyer des disques fiers de porter son seul nom. Imagine est un grand disque, très mature, travaillé et poli comme un galet. Phil Spector lui donnera un autre son que George Martin, plus axé sur le couple voix/piano. La chanson Imagine fera un instant oublier le poids de sa précédente carrière. Une véritable ôde à la paix, la liberté, scandée par un piano d’une lourdeur inouie, elle pourrait devenir l’hynme d’une humanité débarrasée de ses scories guerrières.  Se suivent ensuite le très country et enlevé Crippled inside, le bluesy It’s so hard, et le fabuleux Jealous Guy où il se découvre sous un jour pas très honorable. Le disque continue d’ailleurs la désacralisation de l’icône, il égratigne d’ailleurs au passage son ex-compère dans le lamentable  How do you sleep?  dont par ailleurs la rythmique est imparable. Autre petit bijou pacifiste, Idon’t wanna be a soldier cultive un son étrange et dissonnant sur une phrase chantée comme une supplique en pleine guerre du Viet-Nam (I don’t wanna die) enfin quelques chansons dédiée à sa muse dont le clowesque et très festif Oh Yoko! (in the middle of a shave, I call your name…)qui clôt  le disque avec la patate! Rien à dire, c’est du grand art et le passeport pour son auteur vers une vie nouvelle, Les Beatles sont enterrés, c’est la début d’autre chose.

à défaut Plastic Ono Band par John Lennon

LED ZEPPELIN:II

Voici l’album précurseur du Heavy metal, du moins c’est ce qui se dit. Il est vrai que le morceau qui ouvre le bal est devenue un monument du genre. Whole lotta love  avec sa rythmique, ses feulement et cete brusque attaque de batterie qui ne s’arrête plus,  a inscrit une croix sur la frise du monde de la musique. Au point qu’on pourrait presque oublier le reste du disque. Pourtant le deuxième titre , The thing that is and should not be prend le contrepied par une doucereuse mélodie et un bon refrain bien hargneux. Mais c’est en général l’album des riffs bien saignants. Celui de The lemon song ponctué de ces accoups de rockabilly, celui de Heartbreaker ou Living loving maid. On imagine sans peine la génération de guitaristes montant sur scène en fixant le public et se disant « Je suis un putain de Jimmy Page, baby! », tant le son de la gratte saturée a fait école depuis. Ensuite Moby dick (imaginez la pesanteur du truc) commence encore par un riff assassin pour terminer un solo de batterie gravé sur disque absolument dantesque. Là encore combien de vocations se sont réveillées à cette écoute? Ramble on termine tout ça en beauté. Pour finir un mot sur Thank you, titre transfuge, car quel groupe peut porter dans ses bagages un panel allant d’Aphrodite’s child à Black sabbath en passant par Simon et Garfunkel ou Bob Dylan? Vous aurez tout cela dans cette chanson. Un album hors norme, pour un groupe dépassant les frontières des genres. Unique!.

à défaut IV par Led zeppelin.

THE ROLLING STONES: STICKY FINGERS

Sans doute le groupe de rock le plus célebre. Continuellement comparé aux Beatles, ils n’ont pas grand chose en commun pourtant. Les Stones sont rapeux, terreux comme un bourbon et teigneux comme des clébards mal réveillés. Ce n’est que lorsque les ombres de la comparaison en 1970 se sont dissipés, qu’ils ont pu se révéler. Depuis Beggars banquet déjà ils s’étaient affranchis du son sixties mais c’est avec celui là qui’ils atteignent l’apogée. Depuis le riff historique de Brown sugar, groovy à souhait pour un morceau « James Brownesque », le merveilleux mais asez confidentiel Sway met à l’honneur le guitariste Mick Taylor remplaçant avantageusement le débris blondinet qui a perdu au concours d’apnée l’année précédente. L’hyper mélodieux Wild Horses est une ballade tout en grâce et You can’t hear me knocking revient au groove qui conduit tout le disque. You gotta move, poisseux, sirupeux et collant au papier rend hommage au blues dont l’album porte aussi les tonalités triomphantes. Enfin Sticky fingers catapulte la guitar slide, traînante de Taylor décidemment mis en avant comme sur Moonlight Mile ou I got  the blues. Fini les instruments bizarres, les arrangements power flower, le groupe se recentre sur ce qu’il aime, et jamais l’expression « Back to basics » n’avait pris ainsi tout son sens. A noter que le disque contient aussi le fameux Sister Morphine intense et trouble. Du grand art qui mettra les Rolling Stones en tête de tout les seventies au rayon rock, haut la main et sans photo.

à défaut: Let it bleed par les Rolling Stones

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